Frida: The Making of an Icon

Aus der Perspektive der von ihr beeinflussten Künstler:innen und anhand ihres eigenen außergewöhnlichen Werks zeichnet „Frida: The Making of an Icon“ Kahlos außergewöhnlichen Aufstieg von einer relativ unbekannten Malerin zu einem weltweiten kulturellen Phänomen nach. Diese wegweisende Ausstellung, die in Zusammenarbeit mit dem Museum of Fine Arts in Houston entwickelt wurde, untersucht, wie Kahlos Kunst und Leben Generationen von Künstler:innen in verschiedenen Medien, Strömungen und Gemeinschaften auf der ganzen Welt inspiriert haben.

Zum ersten Mal seit über zwei Jahrzehnten können Besucher:innen in Großbritannien die gesamte Bandbreite von Frida Kahlos künstlerischer Entwicklung erleben. Zu den über 30 Werken von Kahlo gehören selten gezeigte Selbstporträts, die neben Fotografien und persönlichen Gegenständen ausgestellt werden. Aufbauend auf der Übersichtsausstellung der Tate Modern aus dem Jahr 2005 geht diese Ausstellung noch einen Schritt weiter, indem sie Fridas Einfluss auf die Kunstgeschichte aufzeigt und ihre Werke im Dialog mit modernen und zeitgenössischen Künstler*innen aus aller Welt präsentiert, die sich von ihrer Ästhetik, ihrer Identität und ihrer Biografie inspirieren lassen. Gemeinsam verdeutlichen sie, wie Kahlos Geschichte von neuen Generationen immer wieder neu interpretiert und aufgegriffen wird, was ihren Platz als eine der einflussreichsten Figuren der Kunstgeschichte festigt.

Die Ausstellung beginnt mit einer Untersuchung darüber, wie Kahlo ihre Identität in ihren Gemälden und ihrem persönlichen Stil konstruierte und zur Geltung brachte. Anhand einer vielfältigen Präsentation verschiedener Medien entdecken die Besucher, wie sie ihre vielen „Ichs“ visuell zum Ausdruck brachte – vom Persönlichen bis zum Politischen, vom Körperlichen bis zum Spirituellen. Zu den Höhepunkten zählt eine Auswahl von Kahlos ikonischsten Selbstporträts, darunter „Selbstporträt (mit Samtkleid)“ von 1926 und „Selbstporträt mit offenem Haar“ von 1938, in denen sie ihr mexikanisches Erbe, ihr queeres Selbstbild, ihre feministischen Ideale und ihre Erfahrungen als Frau mit Behinderung zum Ausdruck bringt. Diese werden im Dialog mit Werken anderer Künstler der „mexikanischen Renaissance“ präsentiert, wie beispielsweise Diego Riveras „Porträt von Frida Kahlo“ (um 1935) und María Izquierdos „Traum und Vorahnung“ (1947), um den künstlerischen und intellektuellen Austausch zu beleuchten, der ihr Schaffen prägte. Ergänzt werden sie durch Fotografien und Archivmaterial, darunter Kahlos Tehua-Kleider und wertvolle Besitztümer aus ihrer persönlichen Sammlung.

Im Mittelpunkt der Ausstellung stehen die surrealistischen Verbindungen zwischen Frida Kahlo und ihren Zeitgenossen. Obwohl Kahlo dieses Etikett bekanntlich ablehnte, zeigen ihre Werke auffällige Parallelen zu dieser Bewegung, was deren Begründer André Breton dazu veranlasste, sie als „selbstgemachte Surrealistin“ zu bezeichnen. Nach ihrer ersten Einzelausstellung in der Julien Levy Gallery in New York im Jahr 1938 lud Breton Kahlo ein, in Paris auszustellen, wo die französische Staatssammlung ihr Selbstporträt „The Frame“ von 1938 erwarb. Die Tate Modern präsentiert dieses Werk sowie weitere Höhepunkte, darunter „Diego und Frida“ (1929), „Überlebende“ (1938), „Erinnerung (Das Herz)“ (1937) und „Mädchen mit einer Totenmaske“ (1938). Neben Gemälden und Fotografien lateinamerikanischer Künstlerinnen wie Kati Horna und Leonor Fini untersucht die Tate Modern ihre gemeinsame Faszination für vom Surrealismus geprägte Motive wie Masken und Skelette sowie ihre Fixierung auf Tod und Träume.

Obwohl Frida Kahlos Name bereits Anfang der 1930er Jahre erstmals in US-amerikanischen Kunstkreisen auftauchte, erlangten ihr Werk und ihr Image erst Jahrzehnte später breite Anerkennung. In den späten 1960er Jahren machte sich die US-amerikanische Chicana/o-Bewegung Kahlo als starkes Symbol für kulturellen Stolz und politischen Widerstand zu eigen und würdigte ihre Widerstandsfähigkeit und Kreativität. Diese Künstler*innen, die aus der Bürgerrechtsbewegung mit mexikanischem Hintergrund hervorgingen, strebten danach, sich in Amerika eine einzigartige Identität zu schaffen. Die Ausstellung untersucht, wie Kahlos Werke wie „My Dress Hangs There“ (1933–8), das ihre Ambivalenz gegenüber den Vereinigten Staaten einfängt, bei mexikanischen Migranten und in den Chicana/o-Gemeinschaften tiefen Anklang fanden und sie zu einer bleibenden Inspirationsquelle machten. Die Ausstellung rückt zudem das Schaffen einer neuen Generation von Künstler*innen in den Vordergrund, die Ende der 1980er und in den 1990er Jahren in Mexiko tätig waren. Inspiriert von Kahlo greifen Künstler*innen wie Nahúm B. Zenil und Georgina Quintana typisch mexikanische Bildwelten und Volkstraditionen auf, um nationalistische Ideale, patriarchalische Strukturen und Geschlechternormen zu hinterfragen.

Der Aufstieg des Feminismus in Mexiko und den USA in den 1970er- und 1980er-Jahren weckte zudem ein erneutes Interesse an Kahlos bahnbrechender Selbstdarstellung. Ihre Selbstporträts, auf denen sie mit kurzgeschnittenem Haar, einem leichten Schnurrbart und maskuliner Kleidung zu sehen ist, sowie ihre Darstellungen von Geburten und weiblicher Sexualität stellten kulturelle Normen mutig in Frage. Die Tate Modern würdigt Frida Kahlos anhaltenden Einfluss auf Künstlerinnen in Mexiko, Amerika und Europa von 1970 bis heute. Kahlos Werk wird mit Arbeiten von Künstlerinnen wie Kiki Smith, Judy Chicago und Ana Mendieta kombiniert, wodurch eindringliche visuelle Dialoge rund um Identität, Gewalt und den Körper als Teil der Natur entstehen. Die Ausstellung hebt zudem mehrere zeitgenössische Künstler*innen hervor, die sich ihrer Ikonografie bedienen und ihre Figur verkörpern, um Themen wie Rasse, Geschlecht, Sexualität und Behinderung anzusprechen, darunter Yasumasa Morimura, Martine Gutierrez und Berenice Olmedo.